日本写真の50年を辿る。「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」(東京都写真美術館)開幕、作品がつなぐ時代と表現

壁一面を埋め尽くす写真。その作品群を前にして、日本写真の半世紀がこの空間に凝縮されているように感じた。 東京都写真美術館で開催中の「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」。 賞が第50回を迎えたことを記念する本展の内覧会に参加した。 会場では、受賞の時系列に沿って作品が並んでいる。テーマによって作品を組み合わせるのではなく、年代を追って見ていく構成である。一人ひとりの表現に目を留めながら、次の作品へ、次の年代へと進む。そのなかで、写真家たちが何を見つめ、どのような表現が評価されてきたのか、その移り変わりにも触れることができる。 [caption id="attachment_30824" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 壁一面に並ぶ作品を眺めていると、50年という時間の長さと、その間に生まれた表現の幅広さを実感する。知っている作品も、初めて出会う作品も、同じ時間の流れのなかに並んでいた。 [caption id="attachment_30829" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 木村伊兵衛写真賞とは 戦前、戦後を通じ日本の写真界に大きな貢献をはたした写真家、木村伊兵衛（1901～1974年）の業績を記念して制定された写真賞です。 授賞対象は毎年1月から12月までの間、写真の制作・発表活動で優れた成果をあげた新人。活動は写真集、展示、雑誌など広く一般に発表されたもので、写真表現のあらゆる分野を含みます。正賞は賞状と賞牌、副賞に100万円が贈られます。1975年に朝日新聞社によって創設、「アサヒカメラ」が運営事務局を担い、2008年、朝日新聞出版発足後に同社と朝日新聞社との共催になりました。2020年の「アサヒカメラ」休刊に伴い、現在は、朝日新聞出版マーケティング部に運営事務局が置かれています 写真家の言葉と作品がつながる 私は今回、会場で上映されるインタビュー映像の制作に携わり、10人の受賞写真家の言葉に触れる機会があった。 [caption id="attachment_30825" align="aligncenter" width="750"] 会場では、日本写真芸術専門学校が制作したインタビュー動画「木村伊兵衛写真賞とわたし」が上映されている[/caption] ※(NEWS)本校制作のインタビュー動画「木村伊兵衛写真賞とわたし」が東京都写真美術館で上映中｜日本写真芸術専門学校   作品が生まれた背景や、写真家それぞれの写真に対する考え方。それぞれの話から、その時代に何が重視され、写真家たちがどこへ視線を向けていたのか、その一端を知ることができた。さらに、いま何を考え、制作に向き合っているのかにも触れることができた。 その言葉を思い返しながら展示室を歩くと、インタビューで触れた写真家たちの年代と年代の間を補うように、作品が現れる。話を聞いた写真家の前後に、どのような作品が生まれていたのか。個別に知っていたことが、作品を通して少しずつ結びついていく。 [caption id="attachment_30826" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 断片的に知っていた日本写真の軌跡に、点と点を結ぶ線が引かれていくような感覚だった。 もちろん、年代順に並んでいるからといって、作品同士が直接つながっているわけではない。それでも、続けて見ることで気づく視点の違いや、共通する関心がある。個々の写真家を知ることとはまた違った、写真の見方ができる展示だと感じた。 写真の立ち位置が変わった50年 内覧会では、第1回受賞者である北井一夫さんの挨拶があり、その話も印象に残った。 北井さんは、受賞当時、写真は主に雑誌に掲載する原稿としての役割を担い、芸術とは見なされていなかったこと、そして時代とともにその立ち位置が変わり、いまでは芸術と言えるものになった、という趣旨の話をしていた。50年という時間に起きた変化の大きさを振り返る話だった。 [caption id="attachment_30827" align="aligncenter" width="750"] 左：第1回（1975年度）受賞者　北井一夫さん「村へ」が掲載されたアサヒカメラ　右：第6回（1980年度）受賞者　江成常夫さん「花嫁のアメリカ」が掲載されたアサヒカメラ[/caption]   変わってきたのは、被写体や撮り方だけではない。写真がどこで発表され、どのように受け止められるのか。写真そのものの立ち位置も、この半世紀の間に変化してきたのである。 その話を聞いてから作品を眺めると、年代順に並ぶ展示にも、より意味が感じられた。目の前にある表現と、その背景にある時代。その両方に思いを巡らせながら見ていくことができる。 [caption id="attachment_30832" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption]   知っている一枚を入口に この「点と点がつながる」という感覚は、映像制作に携わった私だけのものではないかもしれない。 好きな写真家や、写真集で見た作品、どこかで目にしたことのある一枚。それを入口に、その前後に並ぶ作品へも目を向けてみる。すると、知っている作品の見え方が変わったり、これまで知らなかった写真家の表現に心を引かれたりするのではないだろうか。 [caption id="attachment_30828" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] すべての写真家や作品を、あらかじめ知っておく必要はない。気になる写真の前で足を止め、そこから少しずつ視線を広げていく。半世紀の作品が並ぶ会場で、自分のなかにある写真の記憶も、新たな出会いとともにつながっていくかもしれない。   『木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展』は11月23日（月・祝）まで 展覧会情報 木村伊兵衛写真賞　第50回記念写真展 2026.10.31（土）— 11.23（月・祝） 開催期間：2026年10月31日（土） ～ 11月23日（月・祝） 会場：東京都写真美術館　地下1階展示室(東京都目黒区三田1-13-3恵比寿ガーデンプレイス内) 休館日：毎週月曜日（ただし11月23日［月］は開館） 料金：一般1,200円（960円）、学生・65歳以上1,000円（800円）、高校生800円（640円） ※（　）は有料入場者20名以上の団体料金。中学生以下および障害者手帳をお持ちの方とその介護者（2名まで）は無料。 TOPMUSEUM PASSPORT 2026 提示者は割引。 ※シルバーデー、家族ふれあいの日、減免団体への教育活動無料は対象外。 ※11月5日［木］～23日［月・祝］の木・金曜日17 時～20 時は夜間特別開館による割引料金（学生・高校生無料、一般・65歳以上は団体料金。学生証・年齢が確認できるものをご提示ください。） 取材協力：東京都写真美術館 取材撮影/PicoN!編集部 黒田 編集/PicoN!編集部 市村 ↓PicoN!アプリインストールはこちら

光と大気の画家・ターナー。200年の時を超えて、私たちに問いかけるもの「テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話」へ行ってみた

光や霧、荒れ狂う海。光と大気の表現を追求した画家、ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー。約200年前に活躍した彼の作品と、現代アーティストの作品が出会う展覧会が、東京・上野の国立西洋美術館で開催されています。 「テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話」の大きな特徴は、異なる時代の作品を組み合わせることで、新たな視点や問いを生み出していること。ターナーの絵画を歴史の中に位置づけるだけでなく、現代のアーティストの作品と並べることで、自然や光、そして人間と世界の関係をあらためて見つめ直します。 [caption id="attachment_30715" align="aligncenter" width="750"] ケイティ・パターソン《Totality〈皆既食／全体性〉》2016年ミクストメディア　個人蔵　Courtesy of a private collection and Ingleby Gallery @ Katie Paterson[/caption] 今回は、実際に展覧会を訪れた学生編集部のレポートをお届けします。 ⛵ #ターナー展2026_27｜｜10.24開幕 10月24日（土）より、企画展〈テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話〉が開幕！ 移ろう光や大気、荒れ狂う海や空など、刻々と変化する世界を描きつづけたJ.M.W. ターナー（1775–1851）🎨 本展では、世界最大のターナー・コレクションを誇るロンドンのテート美術館から、油彩画や水彩画など80点以上をご紹介します。 さらに、ターナーの作品と戦後・現代美術を各章で併置。 オラファー・エリアソンやオトリス・グループらの作品との「対話」を通して、ターナーの芸術から今日の世界へとつながるさまざまな問いにも目を向けます…💭 ┈┈┈┈┈┈┈┈ ⛵ テート美術館　ターナー展 ――崇高の絵画、現代美術との対話 📅 2026年10月24日[土]―2027年2月21日[日] 📍 国立西洋美術館　企画展示室 📱 @turner2026_27 ┈┈┈┈┈┈┈┈ — 国立西洋美術館 NMWA Tokyo (@NMWATokyo) October 2, 2026   英国絵画史上、もっとも偉大な画家、J.M.W. ターナー。 「光の画家」とも呼ばれ、英国ロマン主義を代表する芸術家。 10代から画家として頭角を現し、弱冠26歳にして英国美術界の最高権威であったロイヤル・アカデミーの正会員となる。信念を貫く寡黙な人柄だったとされ、終生画業に専心した。自然にたいする鋭敏な感覚と実験的な絵画表現によって風景画のありかたを一変させ、後世のモネら印象派の試みに先行した画家ともいわれている。 学生編集部が行ってきた！ ターナー展で出会う、時代を超えたアートの対話 これまでにも何度も美術展に足を運んできましたが、今回の展覧会は特に「ただ作品を順番に並べるだけでなく、空間全体が一つの作品としてつくられている」という強い驚きがありました。時代も技法も異なる西洋画と現代美術をあえて隣同士に並べることで、私たち鑑賞者に「絵画をどう見つめるか」という新しい問いを投げかけているキュレーターの方々の工夫が、会場の至る所に散りばめられています。 [caption id="attachment_30810" align="aligncenter" width="750"] J.M.W. ターナー《グリゾン州の雪崩》1810年展示　テート美術館所蔵　Photo: Tate[/caption] 「19世紀の画家」と「現代のアーティスト」という、本来出会うはずのない作品同士が隣り合うことで、光や自然に対する問いが時代を超えて響き合っているように感じられました。現代美術の視点があるからこそ、ターナーの絵も単なる「昔の古典画」ではなく、今の私たちに語りかけてくるような新鮮さをもって迫ってきます。 [caption id="attachment_30717" align="aligncenter" width="750"] オラファ―・エリアソン《溶ける氷河のシリーズ1999/2019》 2019年　Cプリント（30組）　テート美術館　＠2019　Olafur Eliasson[/caption] そして何より、本物のターナーの絵画が持つ圧倒的な迫力です。作品自体がとても大きいものも多く、画面上の画像を見るだけでは伝わりきらないエネルギーに満ちています。 [caption id="attachment_30718" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption] 「風景画」で有名なターナーですが、彼はただ目の前の景色を写実的に描いたのではなく、その時代のドラマや雰囲気を「歴史画」として画面に閉じ込めようとしていました。 [caption id="attachment_30719" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption] 作品に近づいて筆跡を確かめたり、少し離れて遠くから全体を眺めてみたりすることで、その絵がひとつの「空間」のように迫ってきます。絵の中から立ち上ってくるような独特の空気や匂いまで感じられる体験は、現地に足を運び、絵の前に立ってこそ出会えるものです。 [caption id="attachment_30720" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption]   会場にある数多くの作品の中で、私が特に引き込まれたのが《ヴェネツィア――サンタ・マリア・デッラ・サルーテ聖堂》です。 [caption id="attachment_30811" align="aligncenter" width="750"] J.M.W. ターナー《ヴェネツィア――サンタ・マリア・デッラ・サルーテ聖堂》　1844年展示　テート美術館所蔵　Photo: Tate[/caption] 水の都ヴェネツィアの光と水面、そして空気が画面全体に溶け合うような美しい作品です。建物や船の輪郭は光の中に溶け込み、どこまでが水面でどこからが空なのか分からなくなるほど鮮烈な世界が広がっています。単に綺麗な建物を描くのではなく、ヴェネツィアという街全体を包み込む光の粒子や湿った風の感覚まで画面に定着させようとしたターナーの挑戦を感じました。 今回はインスタレーションや映像作品など、その場に身を置くからこそ体感できる展示も多く、まさに「わざわざ足を運んで、体感する価値のある」展覧会でした。知識や技法だけでなく、「世界をどう見つめ、どう捉えるか」という大きなヒントをもらえる展示です。みなさんもぜひ会場で、自分だけの「光の瞬間」を見つけてみてください。 ターナーの世界を堪能した後は、ミュージアムショップへ 鑑賞を終えたあとの楽しみといえば、ミュージアムショップです。 今回はターナーにちなんで、英国の老舗アウトドアブランド「KARRIMOR（カリマー）」や『きかんしゃトーマス』とのコラボグッズなど、ユニークなラインナップが揃っていました！   普段、私は気に入った作品をポストカードで持ち帰ることが多いのですが、今回思わず手に取ってしまったのがインデックスチケットファイルです。 選ばれている作品は《新月――あるいは「ボートを失った、きみにフープはやらない」》。縦長にトリミングされた画面の中で、絵画の近景・中景・遠景がレイヤーのように各インデックスへ美しく重ねられています。インデックス部分には絵の中の空を思わせる繊細な配色が施されていて、作品の空気感が見事にデザインへと落とし込まれていました。   さらに面白かったのが、この絵の中に描かれている犬たちが、なんとぬいぐるみとしてグッズ化されていたことです！ 作品の全体だけでなく、端にいるモチーフにまで光を当てるミュージアムグッズデザイナーの着眼性の高さには、思わず唸ってしまいました。 作品を見るだけでなく、デザインのアイデアや工夫としても楽しめるグッズの数々。鑑賞の記念に、ぜひショップにも立ち寄ってみてください！ ※商品は、ご来場のタイミングにより品切れとなる場合がございます。 学生のみなさんは無料で鑑賞できる期間も！ 2026年11月4日（水）から11月19日（木）までは、高校生・大学生の無料観覧期間です。学生証を持参し、国立西洋美術館の券売窓口で手続きをすれば、チケットを購入せずに鑑賞できます。作品を知識として学ぶだけでなく、実際に目の前に立ち、自分の目で見て感じること。今回の展覧会は、そんな体験の面白さに出会える機会です。ぜひ会場で、あなただけの発見を見つけてみてください。 [caption id="attachment_30722" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption]   『テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話』は２月２１日（日）まで ※展示風景画像はすべて「テート美術館　ターナー展——崇高の絵画、現代美術との対話」国立西洋美術館　展示風景　2026年 展覧会情報 テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話 会期：2026年10月24日（土）～2027年2月21日（日） 会場：国立西洋美術館（東京・上野公園） 住所：東京都台東区上野公園7-7 開館時間：9:30～17:30（金曜日・土曜日は20:00まで）※入館は閉館の30分前まで。 休館日：月曜日、11月24日（火）、12月28日（月）～2027年1月1日（金・祝）、1月12日（火） ※11月23日（月・祝）、2027年1月11日（月・祝）は開館。 ※2027年1月12日（火）～2月21日（日）の期間、国立西洋美術館 常設展は閉室 観覧料（税込）： 一般：当日2,400円 大学生：当日1,500円 高校生：当日1,100円 中学生以下、障害者手帳をお持ちの方及び付添者1名：無料 高校生・大学生無料観覧期間：2026年11月4日（水）～11月19日（木）※チケットの購入は不要。学生証を持参し、国立西洋美術館の券売窓口で手続きしてください。 アクセス：JR上野駅（公園口）から徒歩1分 京成電鉄・京成上野駅から徒歩7分 東京メトロ銀座線・日比谷線上野駅から徒歩8分 主催：国立西洋美術館、テート美術館、朝日新聞社、テレビ朝日 公式サイト：https://turner2026-27.exhibit.jp/ ［巡回展］大阪中之島美術館：2027年3月13日（土）～6月27日（日）   取材協力：国立西洋美術館 取材/PicoN!学生編集部 中澤 撮影/PicoN!編集部 市村   ↓PicoN!アプリインストールはこちら

マンガ連載～第59話～ 「セルフ・ハンディキャッピング」編

試験の前日に夜更かしをしたくなる。やらなきゃいけないことがあるのについ部屋の掃除をしてしまう。－－それ、失敗したときの言い訳をあらかじめつくる「セルフ・ハンディキャッピング」という心理かも。 でも絵描きの場合には、「やらなきゃいけないこと」から逃げた先でクリエイティビティが見つかることもあって……？   ↓PicoN!アプリインストールはこちら

日本写真の50年を辿る。「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」(東京都写真美術館)開幕、作品がつなぐ時代と表現

壁一面を埋め尽くす写真。その作品群を前にして、日本写真の半世紀がこの空間に凝縮されているように感じた。 東京都写真美術館で開催中の「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」。 賞が第50回を迎えたことを記念する本展の内覧会に参加した。 会場では、受賞の時系列に沿って作品が並んでいる。テーマによって作品を組み合わせるのではなく、年代を追って見ていく構成である。一人ひとりの表現に目を留めながら、次の作品へ、次の年代へと進む。そのなかで、写真家たちが何を見つめ、どのような表現が評価されてきたのか、その移り変わりにも触れることができる。 [caption id="attachment_30824" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 壁一面に並ぶ作品を眺めていると、50年という時間の長さと、その間に生まれた表現の幅広さを実感する。知っている作品も、初めて出会う作品も、同じ時間の流れのなかに並んでいた。 [caption id="attachment_30829" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 木村伊兵衛写真賞とは 戦前、戦後を通じ日本の写真界に大きな貢献をはたした写真家、木村伊兵衛（1901～1974年）の業績を記念して制定された写真賞です。 授賞対象は毎年1月から12月までの間、写真の制作・発表活動で優れた成果をあげた新人。活動は写真集、展示、雑誌など広く一般に発表されたもので、写真表現のあらゆる分野を含みます。正賞は賞状と賞牌、副賞に100万円が贈られます。1975年に朝日新聞社によって創設、「アサヒカメラ」が運営事務局を担い、2008年、朝日新聞出版発足後に同社と朝日新聞社との共催になりました。2020年の「アサヒカメラ」休刊に伴い、現在は、朝日新聞出版マーケティング部に運営事務局が置かれています 写真家の言葉と作品がつながる 私は今回、会場で上映されるインタビュー映像の制作に携わり、10人の受賞写真家の言葉に触れる機会があった。 [caption id="attachment_30825" align="aligncenter" width="750"] 会場では、日本写真芸術専門学校が制作したインタビュー動画「木村伊兵衛写真賞とわたし」が上映されている[/caption] ※(NEWS)本校制作のインタビュー動画「木村伊兵衛写真賞とわたし」が東京都写真美術館で上映中｜日本写真芸術専門学校   作品が生まれた背景や、写真家それぞれの写真に対する考え方。それぞれの話から、その時代に何が重視され、写真家たちがどこへ視線を向けていたのか、その一端を知ることができた。さらに、いま何を考え、制作に向き合っているのかにも触れることができた。 その言葉を思い返しながら展示室を歩くと、インタビューで触れた写真家たちの年代と年代の間を補うように、作品が現れる。話を聞いた写真家の前後に、どのような作品が生まれていたのか。個別に知っていたことが、作品を通して少しずつ結びついていく。 [caption id="attachment_30826" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] 断片的に知っていた日本写真の軌跡に、点と点を結ぶ線が引かれていくような感覚だった。 もちろん、年代順に並んでいるからといって、作品同士が直接つながっているわけではない。それでも、続けて見ることで気づく視点の違いや、共通する関心がある。個々の写真家を知ることとはまた違った、写真の見方ができる展示だと感じた。 写真の立ち位置が変わった50年 内覧会では、第1回受賞者である北井一夫さんの挨拶があり、その話も印象に残った。 北井さんは、受賞当時、写真は主に雑誌に掲載する原稿としての役割を担い、芸術とは見なされていなかったこと、そして時代とともにその立ち位置が変わり、いまでは芸術と言えるものになった、という趣旨の話をしていた。50年という時間に起きた変化の大きさを振り返る話だった。 [caption id="attachment_30827" align="aligncenter" width="750"] 左：第1回（1975年度）受賞者　北井一夫さん「村へ」が掲載されたアサヒカメラ　右：第6回（1980年度）受賞者　江成常夫さん「花嫁のアメリカ」が掲載されたアサヒカメラ[/caption]   変わってきたのは、被写体や撮り方だけではない。写真がどこで発表され、どのように受け止められるのか。写真そのものの立ち位置も、この半世紀の間に変化してきたのである。 その話を聞いてから作品を眺めると、年代順に並ぶ展示にも、より意味が感じられた。目の前にある表現と、その背景にある時代。その両方に思いを巡らせながら見ていくことができる。 [caption id="attachment_30832" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption]   知っている一枚を入口に この「点と点がつながる」という感覚は、映像制作に携わった私だけのものではないかもしれない。 好きな写真家や、写真集で見た作品、どこかで目にしたことのある一枚。それを入口に、その前後に並ぶ作品へも目を向けてみる。すると、知っている作品の見え方が変わったり、これまで知らなかった写真家の表現に心を引かれたりするのではないだろうか。 [caption id="attachment_30828" align="aligncenter" width="750"] 「木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展」の展示風景[/caption] すべての写真家や作品を、あらかじめ知っておく必要はない。気になる写真の前で足を止め、そこから少しずつ視線を広げていく。半世紀の作品が並ぶ会場で、自分のなかにある写真の記憶も、新たな出会いとともにつながっていくかもしれない。   『木村伊兵衛写真賞 第50回記念写真展』は11月23日（月・祝）まで 展覧会情報 木村伊兵衛写真賞　第50回記念写真展 2026.10.31（土）— 11.23（月・祝） 開催期間：2026年10月31日（土） ～ 11月23日（月・祝） 会場：東京都写真美術館　地下1階展示室(東京都目黒区三田1-13-3恵比寿ガーデンプレイス内) 休館日：毎週月曜日（ただし11月23日［月］は開館） 料金：一般1,200円（960円）、学生・65歳以上1,000円（800円）、高校生800円（640円） ※（　）は有料入場者20名以上の団体料金。中学生以下および障害者手帳をお持ちの方とその介護者（2名まで）は無料。 TOPMUSEUM PASSPORT 2026 提示者は割引。 ※シルバーデー、家族ふれあいの日、減免団体への教育活動無料は対象外。 ※11月5日［木］～23日［月・祝］の木・金曜日17 時～20 時は夜間特別開館による割引料金（学生・高校生無料、一般・65歳以上は団体料金。学生証・年齢が確認できるものをご提示ください。） 取材協力：東京都写真美術館 取材撮影/PicoN!編集部 黒田 編集/PicoN!編集部 市村 ↓PicoN!アプリインストールはこちら

光と大気の画家・ターナー。200年の時を超えて、私たちに問いかけるもの「テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話」へ行ってみた

光や霧、荒れ狂う海。光と大気の表現を追求した画家、ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー。約200年前に活躍した彼の作品と、現代アーティストの作品が出会う展覧会が、東京・上野の国立西洋美術館で開催されています。 「テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話」の大きな特徴は、異なる時代の作品を組み合わせることで、新たな視点や問いを生み出していること。ターナーの絵画を歴史の中に位置づけるだけでなく、現代のアーティストの作品と並べることで、自然や光、そして人間と世界の関係をあらためて見つめ直します。 [caption id="attachment_30715" align="aligncenter" width="750"] ケイティ・パターソン《Totality〈皆既食／全体性〉》2016年ミクストメディア　個人蔵　Courtesy of a private collection and Ingleby Gallery @ Katie Paterson[/caption] 今回は、実際に展覧会を訪れた学生編集部のレポートをお届けします。 ⛵ #ターナー展2026_27｜｜10.24開幕 10月24日（土）より、企画展〈テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話〉が開幕！ 移ろう光や大気、荒れ狂う海や空など、刻々と変化する世界を描きつづけたJ.M.W. ターナー（1775–1851）🎨 本展では、世界最大のターナー・コレクションを誇るロンドンのテート美術館から、油彩画や水彩画など80点以上をご紹介します。 さらに、ターナーの作品と戦後・現代美術を各章で併置。 オラファー・エリアソンやオトリス・グループらの作品との「対話」を通して、ターナーの芸術から今日の世界へとつながるさまざまな問いにも目を向けます…💭 ┈┈┈┈┈┈┈┈ ⛵ テート美術館　ターナー展 ――崇高の絵画、現代美術との対話 📅 2026年10月24日[土]―2027年2月21日[日] 📍 国立西洋美術館　企画展示室 📱 @turner2026_27 ┈┈┈┈┈┈┈┈ — 国立西洋美術館 NMWA Tokyo (@NMWATokyo) October 2, 2026   英国絵画史上、もっとも偉大な画家、J.M.W. ターナー。 「光の画家」とも呼ばれ、英国ロマン主義を代表する芸術家。 10代から画家として頭角を現し、弱冠26歳にして英国美術界の最高権威であったロイヤル・アカデミーの正会員となる。信念を貫く寡黙な人柄だったとされ、終生画業に専心した。自然にたいする鋭敏な感覚と実験的な絵画表現によって風景画のありかたを一変させ、後世のモネら印象派の試みに先行した画家ともいわれている。 学生編集部が行ってきた！ ターナー展で出会う、時代を超えたアートの対話 これまでにも何度も美術展に足を運んできましたが、今回の展覧会は特に「ただ作品を順番に並べるだけでなく、空間全体が一つの作品としてつくられている」という強い驚きがありました。時代も技法も異なる西洋画と現代美術をあえて隣同士に並べることで、私たち鑑賞者に「絵画をどう見つめるか」という新しい問いを投げかけているキュレーターの方々の工夫が、会場の至る所に散りばめられています。 [caption id="attachment_30810" align="aligncenter" width="750"] J.M.W. ターナー《グリゾン州の雪崩》1810年展示　テート美術館所蔵　Photo: Tate[/caption] 「19世紀の画家」と「現代のアーティスト」という、本来出会うはずのない作品同士が隣り合うことで、光や自然に対する問いが時代を超えて響き合っているように感じられました。現代美術の視点があるからこそ、ターナーの絵も単なる「昔の古典画」ではなく、今の私たちに語りかけてくるような新鮮さをもって迫ってきます。 [caption id="attachment_30717" align="aligncenter" width="750"] オラファ―・エリアソン《溶ける氷河のシリーズ1999/2019》 2019年　Cプリント（30組）　テート美術館　＠2019　Olafur Eliasson[/caption] そして何より、本物のターナーの絵画が持つ圧倒的な迫力です。作品自体がとても大きいものも多く、画面上の画像を見るだけでは伝わりきらないエネルギーに満ちています。 [caption id="attachment_30718" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption] 「風景画」で有名なターナーですが、彼はただ目の前の景色を写実的に描いたのではなく、その時代のドラマや雰囲気を「歴史画」として画面に閉じ込めようとしていました。 [caption id="attachment_30719" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption] 作品に近づいて筆跡を確かめたり、少し離れて遠くから全体を眺めてみたりすることで、その絵がひとつの「空間」のように迫ってきます。絵の中から立ち上ってくるような独特の空気や匂いまで感じられる体験は、現地に足を運び、絵の前に立ってこそ出会えるものです。 [caption id="attachment_30720" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption]   会場にある数多くの作品の中で、私が特に引き込まれたのが《ヴェネツィア――サンタ・マリア・デッラ・サルーテ聖堂》です。 [caption id="attachment_30811" align="aligncenter" width="750"] J.M.W. ターナー《ヴェネツィア――サンタ・マリア・デッラ・サルーテ聖堂》　1844年展示　テート美術館所蔵　Photo: Tate[/caption] 水の都ヴェネツィアの光と水面、そして空気が画面全体に溶け合うような美しい作品です。建物や船の輪郭は光の中に溶け込み、どこまでが水面でどこからが空なのか分からなくなるほど鮮烈な世界が広がっています。単に綺麗な建物を描くのではなく、ヴェネツィアという街全体を包み込む光の粒子や湿った風の感覚まで画面に定着させようとしたターナーの挑戦を感じました。 今回はインスタレーションや映像作品など、その場に身を置くからこそ体感できる展示も多く、まさに「わざわざ足を運んで、体感する価値のある」展覧会でした。知識や技法だけでなく、「世界をどう見つめ、どう捉えるか」という大きなヒントをもらえる展示です。みなさんもぜひ会場で、自分だけの「光の瞬間」を見つけてみてください。 ターナーの世界を堪能した後は、ミュージアムショップへ 鑑賞を終えたあとの楽しみといえば、ミュージアムショップです。 今回はターナーにちなんで、英国の老舗アウトドアブランド「KARRIMOR（カリマー）」や『きかんしゃトーマス』とのコラボグッズなど、ユニークなラインナップが揃っていました！   普段、私は気に入った作品をポストカードで持ち帰ることが多いのですが、今回思わず手に取ってしまったのがインデックスチケットファイルです。 選ばれている作品は《新月――あるいは「ボートを失った、きみにフープはやらない」》。縦長にトリミングされた画面の中で、絵画の近景・中景・遠景がレイヤーのように各インデックスへ美しく重ねられています。インデックス部分には絵の中の空を思わせる繊細な配色が施されていて、作品の空気感が見事にデザインへと落とし込まれていました。   さらに面白かったのが、この絵の中に描かれている犬たちが、なんとぬいぐるみとしてグッズ化されていたことです！ 作品の全体だけでなく、端にいるモチーフにまで光を当てるミュージアムグッズデザイナーの着眼性の高さには、思わず唸ってしまいました。 作品を見るだけでなく、デザインのアイデアや工夫としても楽しめるグッズの数々。鑑賞の記念に、ぜひショップにも立ち寄ってみてください！ ※商品は、ご来場のタイミングにより品切れとなる場合がございます。 学生のみなさんは無料で鑑賞できる期間も！ 2026年11月4日（水）から11月19日（木）までは、高校生・大学生の無料観覧期間です。学生証を持参し、国立西洋美術館の券売窓口で手続きをすれば、チケットを購入せずに鑑賞できます。作品を知識として学ぶだけでなく、実際に目の前に立ち、自分の目で見て感じること。今回の展覧会は、そんな体験の面白さに出会える機会です。ぜひ会場で、あなただけの発見を見つけてみてください。 [caption id="attachment_30722" align="aligncenter" width="750"] テート美術館ターナー展　展示風景[/caption]   『テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話』は２月２１日（日）まで ※展示風景画像はすべて「テート美術館　ターナー展——崇高の絵画、現代美術との対話」国立西洋美術館　展示風景　2026年 展覧会情報 テート美術館　ターナー展――崇高の絵画、現代美術との対話 会期：2026年10月24日（土）～2027年2月21日（日） 会場：国立西洋美術館（東京・上野公園） 住所：東京都台東区上野公園7-7 開館時間：9:30～17:30（金曜日・土曜日は20:00まで）※入館は閉館の30分前まで。 休館日：月曜日、11月24日（火）、12月28日（月）～2027年1月1日（金・祝）、1月12日（火） ※11月23日（月・祝）、2027年1月11日（月・祝）は開館。 ※2027年1月12日（火）～2月21日（日）の期間、国立西洋美術館 常設展は閉室 観覧料（税込）： 一般：当日2,400円 大学生：当日1,500円 高校生：当日1,100円 中学生以下、障害者手帳をお持ちの方及び付添者1名：無料 高校生・大学生無料観覧期間：2026年11月4日（水）～11月19日（木）※チケットの購入は不要。学生証を持参し、国立西洋美術館の券売窓口で手続きしてください。 アクセス：JR上野駅（公園口）から徒歩1分 京成電鉄・京成上野駅から徒歩7分 東京メトロ銀座線・日比谷線上野駅から徒歩8分 主催：国立西洋美術館、テート美術館、朝日新聞社、テレビ朝日 公式サイト：https://turner2026-27.exhibit.jp/ ［巡回展］大阪中之島美術館：2027年3月13日（土）～6月27日（日）   取材協力：国立西洋美術館 取材/PicoN!学生編集部 中澤 撮影/PicoN!編集部 市村   ↓PicoN!アプリインストールはこちら

ドットの世界へ！ 草間彌生の『クサマズ・ポップ』を振り返る

ドット、ドット、ドット……。赤、黄色、緑、青。大きな花に、カラフルな絵、家具、携帯電話。 草間彌生の作品と聞いて、赤や黄色の水玉模様を思い浮かべる人も多いのではないでしょうか。 私自身も、草間彌生といえば水玉模様というイメージを持っていました。しかし、実際に展示を見ていくと、目に留まるのは水玉模様だけではありません。作品のさまざまなところに草間彌生ならではの表現が広がり、見慣れたものも違った姿に見えてきます。 今回は、2026年4月16日から8月30日まで、東京都新宿区の草間彌生美術館で開催されていた展覧会『クサマズ・ポップ』を振り返ります。会場で見つけたものや、個人的に「これ面白い！」と思った作品を中心に紹介していきます。 Into the World of Dots! A Look Back at Yayoi Kusama's "Kusama's Pop" Dots, dots, dots... Red, yellow, green, blue. Large flowers, colorful paintings, furniture, cell phones, and mirrors. Many people probably think of "polka dots" first when they hear the name Yayoi Kusama, right? I, too, when I see Yayoi Kusama's work, think, "Of course, it's polka dots!" However, as I actually viewed the exhibition, it gradually became more than just "polka dots." "Wait, even here?" Yayoi Kusama's world extended to places that made me think just that. This time, we'll look back at the exhibition "Kusama's Pop," which was held at the Yayoi Kusama Museum in Shinjuku-ku, Tokyo, from April 16 to August 30, 2026. We'll introduce things I found at the venue and works that I personally thought were interesting! 草間彌生とは？ ポップカルチャーにもつながる表現 | Who is Kusama Yayoi? 草間彌生は、1929年に長野県松本市に生まれた前衛芸術家です。水玉や網目の反復、鮮やかな色彩を用いた絵画や彫刻、空間全体を使ったインスタレーションなど、独自の表現を追求してきました。 草間彌生の作品を思い浮かべたとき、まず水玉模様をイメージする人も多いのではないでしょうか。その特徴的なモチーフは、絵画の中だけにとどまりません。家具や携帯電話、日常的なものを取り入れた作品にも広がっています。こうした、ひと目で作家を連想させるビジュアルや、アートと日常の境界を越えていく表現も、草間彌生の作品に注目したい理由のひとつです。 ポップカルチャーという視点から見ると、草間彌生の作品には、デザインやイラストにも通じる面白さがあります。印象に残る色や形、繰り返されるモチーフ、そして日常のものを新鮮に見せる工夫。これらは、私たちが普段目にする広告やファッション、プロダクトのビジュアルを考えるうえでも興味深いポイントです。 今回は『クサマズ・ポップ』を振り返りながら、作品の中に見つけたデザインやポップカルチャーとの接点を紹介します。なお、草間彌生さんが2026年8月14日に逝去したことが、同月27日に公表されました。長年にわたって独自の表現を追求してきた草間さんの作品を、改めて振り返ってみたいと思います。 Who is Yayoi Kusama? Her Expression Connects to Pop Culture Yayoi Kusama is an avant-garde artist born in Matsumoto City, Nagano Prefecture in 1929. She has pursued a unique form of expression through paintings and sculptures using polka dots, repetitive patterns, and vibrant colors, as well as installations that utilize entire spaces. When thinking of Yayoi Kusama's work, many people probably first picture polka dots. This distinctive motif isn't limited to paintings; it extends to works incorporating furniture, mobile phones, and everyday objects. These visuals, which instantly evoke the artist, and expressions that transcend the boundaries between art and everyday life, are some of the reasons why Yayoi Kusama's work deserves attention. From a pop culture perspective, Yayoi Kusama's work has an appeal that resonates with design and illustration. Memorable colors and shapes, recurring motifs, and ingenuity in making everyday objects appear fresh—these are interesting points to consider when thinking about the visuals of advertisements, fashion, and products we see every day. This time, we'll look back at "Kusama's Pop" and introduce the connections to design and pop culture we found within her work. Incidentally, Yayoi Kusama's passing was announced in August 2026. We'd like to take this opportunity to revisit the works of Kusama, who pursued her unique form of expression over many years. 会場の美術館はどこにありますか？ | Where is the museum located? 所在地：東京都新宿区弁天町107番地 会場である「草間彌生美術館」の最寄り駅は都営大江戸線牛込柳町駅で、東口から徒歩約6分です。早稲田駅（徒歩約7分）または神楽坂駅（徒歩約9分）からもアクセス可能です。 本展は会期を終了しています。現在開催中の展覧会のチケット情報は、草間彌生美術館の公式サイトをご確認ください。 [caption id="attachment_30514" align="aligncenter" width="550"] 美術館を外から見た景色 | View of the museum from outside[/caption]   Location: 107 Bentencho, Shinjuku-ku Tokyo 162-0851. The closest station is the Ushigome-Yanagicho Station on the Toei Oedo Line which will take about a 6 minute walk from the East Exit. You can also reach the museum from Waseda Station (about 7 minutes walk) or Kagurazaka Station (about 9 minute walk). This exhibition have already finish but you can buy the tickets for the new exhibitions.  自動販売機まで草間彌生に!? | Even the vending machines?! 展示を見ていて、最初に「これは面白い！」と思ったもののひとつがこちら。 街中で見かける自動販売機が、赤と白の水玉模様に覆われています。こちらは、草間彌生の作品《Prototype for Dots on Vending Machines》（2001）。 飲み物を買うための身近な存在である自動販売機も、草間彌生のトレードマークともいえる水玉模様が加わることで、見慣れた風景から少し離れた、不思議な存在に見えてきます。 日常の中にあるものが、表現ひとつで違った姿を見せる。そんな変化を楽しめる作品でした。 [caption id="attachment_30451" align="aligncenter" width="750"] 水玉の自動販売機 | Red and White Dots on Vending Machines[/caption]   One of the first things that caught my eye while viewing the exhibition was this: Take this vending machine for example. AAt first glance, it looks like an ordinary vending machine. But if you look closely, you'll see red and white polka dots. This is "Prototype for Dots on Vending Machines" (2001). A vending machine, something we usually see around town, has been transformed into a work by Yayoi Kusama. We don't usually pay much attention to vending machines, do we? We tend to think of them more as "places to buy drinks"．Yayoi Kusama's work is instantly recognizable when it's covered in polka dots like this.　 水玉、階段にもいる！| There's dots on the stairs too! さらに進んでいくと、今度は階段にも水玉が。 展示室の中だけではなく、建物の中にも水玉が広がっています。《Dots Obsession》は美術館の中に広がる形で展示されていて、作品そのものだけではなく、空間まで一緒に見ているような感覚がありました。 [caption id="attachment_30453" align="aligncenter" width="550"] ドット・オブセッション | Dots Obsession[/caption]   I personally found it fascinating how "ordinary things look completely different when they enter Yayoi Kusama's world." Polka dots, even on the stairs! Further on, there were polka dots on the stairs too. I thought, "They're here too?!" Polka dots were spread not only within the exhibition rooms, but throughout the building. 《Dots Obsession》 was displayed in a way that it spread throughout the museum, giving me the feeling that I was seeing not only the artwork itself, but the space as well. It was almost as if the museum itself was being gradually taken over by Yayoi Kusama... カラフルな絵の前で、目が忙しい！ | So many colours, so much to look at! そして、展示を進んでいくと、カラフルな絵が一気に目に入ってきます。赤、青、黄色、緑。太い線。繰り返される形。たくさんの色と形が並んでいるので、どこから見ればいいのか少し迷ってしまうくらいです。一つの作品を見ていたはずなのに、隣の作品の色が気になって、またその隣を見て……。気づいたら、目がずっと動いていました。 草間彌生の作品は、シンプルな形や線が使われていても、色や配置、繰り返しによって全体の印象が大きく変わります。個人的には、こういうところを見ると「グラフィックデザインの作品を見る感覚に少し似ているかも」と思いました。色の組み合わせや形の反復、画面全体の構成。作品を楽しみながら、デザインの視点からもいろいろと考えたくなる展示でした。 I looked at the artwork and moved on to the next room. Even the staircase along the way had something that looked like part of the artwork. At this point, it becomes difficult to distinguish between the "exhibition" and the "building". It's almost as if the museum itself is being gradually taken over by Yayoi Kusama... My eyes are busy in front of the colourful paintings! As I continued through the exhibition, a flood of colourful paintings immediately caught my eye. Red, blue, yellow, green. Thick lines. Repeating shapes. There were so many colours and shapes lined up that I was a little overwhelmed and didn't know where to start. I was supposed to be looking at one piece, but then the colours of the next piece caught my attention, and I looked at the one next to that... Before I knew it, my eyes were constantly moving. Even though Yayoi Kusama's works use simple shapes and lines, the overall impression changes dramatically depending on the colours, arrangement, and repetition. Personally, I thought that this was somewhat similar to the feeling of looking at graphic design artwork. The combination of colours, the repetition of shapes, the overall composition of the screen. It was an exhibition that made me want to think about various things from a design perspective while enjoying the artwork. チューブ？ | Tubes? 次に目に入ってきたのがこちらです。 大きなチューブのようなオブジェが、鏡のある空間いっぱいに広がっています。 近くで見るとかなり大きいのですが、鏡に映ることで、さらに奥へ奥へと続いているように見えてきます。 『これ、どこまで続いているんだろう？』実際の空間と鏡に映った空間の境目が分からなくなり、ちょっと不思議な感覚になりました。 写真で見るとかなりインパクトがありますが、実際にその前に立つと、作品の大きさや鏡による見え方の変化も含めて楽しめる展示でした。 [caption id="attachment_30516" align="aligncenter" width="550"] インフレータブルルーム | Inflatable room[/caption]   Next, this caught my eye. A large, tube-like object stretches across the entire mirrored space. Up close, it's quite large, but reflected in the mirror, it appears to extend even further into the distance. The objects were already huge when I stood in front of them, but their reflections seemed to carry them farther and farther into the distance. At one point, I caught myself thinking, “Wait… where does the actual room end?”. The installation looks incredibly striking in photos, but standing in front of it was a different experience. Including the scale and the changing reflections made the whole space feel strangely immersive to me. "How far does this go?" The boundary between the actual space and the space reflected in the mirror becomes blurred, creating a somewhat strange feeling. While it's quite impactful in photographs, standing in front of it in person allows you to enjoy the exhibition, including the size of the artwork and how it changes in appearance due to the mirror. 鏡の中にも、また水玉！| The dots keeps going 今回、個人的に印象に残ったのがこちら。カラフルなモチーフが配置された小さな鏡の部屋です。鏡に映ることで、実際の空間よりもずっと広く見えます。正面を見ても、横を見ても、鏡の中に同じ空間が続いているように見えて、「これ、どこまで続いているんだろう？」と思ってしまいます。 実際には小さな部屋なのに、鏡の中ではどこまでも広がっているように感じる。 ただ作品を見るだけではなく、自分自身もその空間の中に入り込んでいるような感覚がありました。写真だけでは、この「実際にその場に立った感じ」はなかなか伝わらないかもしれません。こういう作品は、やっぱり実際に体験してみたくなりますね。 [caption id="attachment_30509" align="aligncenter" width="550"] カラフルな鏡の部屋 | Colourful mirror room[/caption]   This is what personally left the biggest impression on me this time. It's a small room filled with mirrors and colourful motifs. The reflection in the mirrors makes the space appear much larger than it actually is. Whether you look straight ahead or to the side, the same space seems to continue within the mirrors, making you wonder, "How far does this go?". Even though it's actually a small room, it feels like it stretches on endlessly within the mirrors. It wasn't just about looking at the artwork; I felt like I was actually immersed in that space. Photographs alone might not fully convey this "feeling of actually being there." Works like this really make you want to experience them in person. 草間彌生の世界に住んだら? | What if Kusama Designed your living room? 展示の中には、絵画や彫刻だけではなく、家具もありました。この作品は《黄樹リビングルーム》(2002)。 本作は、「生活風景に溶け込む草間作品」を基本コンセプトとし、草間彌生と大阪を拠点とするデザイン集団「graf」とのコラボレーションによって2002年に制作された家具シリーズ、およびそれを用いたインスタレーション作品です。空間を構成するソファ、照明、テーブルなどの家具、ならびに周囲の壁面は、草間彌生が1990年代から描き続けている代表的な絵画モチーフである「黄樹（Yellow Tree）」と、彼女の代名詞である「水玉（ポルカドット）」のオリジナルファブリックによって全面的に覆い尽くされています。(引用元：graf公式ステートメントより) 普通の部屋に置いたら、かなり存在感がありそうですよね。というより、絶対に見逃せない。家具は本来、座ったり、物を置いたりするために使うものです。でも、ここでは家具そのものが展示作品になっています。「もし草間彌生さんが部屋をデザインしたら、こんな感じになるのかな？」 なんて想像しながら見るのも楽しかったです。アート作品として鑑賞するだけでなく、インテリアデザインの視点から見ても面白い作品でした。 [caption id="attachment_30511" align="aligncenter" width="750"] YELLOW TREE Living Room（2002）[/caption]   The exhibition included not only paintings and sculptures, but also furniture. This is "YELLOW TREE Living Room" (2002). It's a living room typical of Yayoi Kusama, with yellow furniture featuring distinctive patterns. If this were placed in an ordinary room, it would certainly have a strong presence. In fact, it's something you absolutely can't miss. Furniture is originally meant to be "sat on" and "used." But here, the furniture itself is the exhibited artwork. "What if Yayoi Kusama designed a room? Would it look something like this?". It was fun to imagine that while viewing it. It was an interesting piece not only to appreciate as an art piece, but also from an interior design perspective. 携帯電話まで？ | Until the phone? そして、私たちの生活には欠かせない携帯電話の作品も展示されていました。こちらは、KDDIの『iida』から展開された『Art Editions YAYOI KUSAMA』のプロジェクトで制作された3点の作品です。KDDIが2009年4月に発表した新ブランド「iida」における特別プロジェクトであり、単なる「デザイン家電」の枠を超え、「携帯電話を現代アート作品そのものに変貌させる」という挑戦的な試みでした。 KDDIの「iida」Art Editionsとは 現代アーティストと共に携帯電話を現代アートへ変貌させるプロジェクトであり、永続的な価値とアート・人生の素晴らしさを共有する場を創出することを目指しました。(引用元：KDDI公式ニュースリリース（2009年4月7日）別紙) 無限に広がるドットの世界《ドッツ・オブセッション、水玉で幸福いっぱい》(2009)(写真：左) 携帯電話と箱型の置き台がセットとなった作品。 赤地に白のドットで埋め尽くされた不可思議な箱、その側面から伸びるスコープから箱の中を覗き込むと、無限に広がるドットの渦。箱の中には、ドットと突起に埋め尽くされた携帯電話が入っています。 草間彌生氏が単身渡米し、ジェンダーや反戦など社会へのメッセージを色濃く反映した作品を多く手がけていた時代の作品「Infinity Mirror Room-'Phalli's Field」(1965年) の世界を見事に再現。 エディションNOと草間氏による直筆サイン入り。 携帯電話をハンドバッグに仕立てた草間氏による新しい提案《宇宙へ行くときのハンドバッグ》(2009)（写真：中央） カラーと形からくる可愛らしさとドットの力強さが融合した今までにない佇まいの作品。シルクスクリーン作品「Handbag」(1985年) を鮮やかに再現。 ハッピーなカラーと鮮やかなドットを身にまとった、愛くるしい犬のオブジェ作品《私の犬のリンリン 》（2009）（写真：右） 3点のうち、私が特に注目したのは、《私の犬のリンリン 》（2009）という、携帯電話と犬の形をしたケースを組み合わせた作品です。 しかも、携帯電話というかなり身近なものなのに、ちゃんと「草間彌生の作品」に見える。色や形、模様の組み合わせを見ただけで、「これ、草間彌生だ！」と分かるのって、よく考えるとすごいですよね。 [caption id="attachment_30512" align="aligncenter" width="1280"] ドッツ・オブセッション、水玉で幸福いっぱい(2009)(写真：左)、宇宙へ行くときのハンドバッグ(2009)（写真：中央）、私の犬のリンリン  (2009)（写真：右）[/caption]   And then there was this: It's a piece called "My Doggie Ring-Ring" (2009), a combination of a cell phone and a dog-shaped case. After seeing large paintings and sculptures, finding a small piece like this is a fun little discovery. What's more, even though it's something as familiar as a cell phone, it clearly looks like a "Yayoi Kusama work." It's amazing when you think about it, that you can tell it's a Yayoi Kusama piece just by looking at the combination of colors, shapes, and patterns. It was an interesting piece not only as an art piece, but also from a product design perspective. 大きな花が登場！ | Giant Flower! そして、こちらは大きな花の彫刻。《明日咲く花》（2016）です。 鮮やかな色彩に彩られた花びらと葉に、繰り返し水玉と網目模様が描かれた大型の彫刻《明日咲く花》は、のどかな田園の中に超現実的な風景をつくりだす。花や植物は、種苗業を営む旧家に生まれた草間にとって、幼い頃から常に身近で、主要なモチーフであり続けている。草間がスケッチブックに描いたアイディアを大きく具現化した本作は、作家の幼い頃からの幻覚のヴィジョンを、陽気に横溢する生命力とともに映し出します。（引用元：100年後芸術祭ホームページ） 黄色い花びらに模様が入り、中央部分もカラフル。下から伸びる部分まで含めて、なんだか現実には存在しない植物のようです。 ここまで絵画や家具、小さなプロダクトなどを見てきたあとに大きな立体作品を見ると、また違った印象があります。平面の中で使われていた色や形が、今度は立体になって目の前に現れる。 同じアーティストの作品でも、素材や大きさが変わるだけで見え方がかなり変わるんだな、と感じました。日常の中にも広がる、草間彌生の世界。 [caption id="attachment_30513" align="aligncenter" width="550"] 明日咲く花 （2016）| Flower that blooms tomorrow（）[/caption]   And here's a large flower sculpture: "Flowers That Bloom Tomorrow" (2016). The yellow petals are patterned, and the center is also colorful. Including the parts extending from the bottom, it somehow looks like a plant that doesn't exist in reality. After seeing paintings, furniture, and small products, seeing a large three-dimensional work gives a completely different impression. The colors and shapes used in two-dimensional works now appear before your eyes in three dimensions. I realized that even with the same artist's work, the way it looks changes considerably just by changing the material and size. Yayoi Kusama's world unfolds even in everyday life. 草間彌生といえば水玉。そんなイメージから見始めた『クサマズ・ポップ』でしたが、実際に作品をたどっていくと、絵画だけではなく、家具や携帯電話、空間そのものにまで、草間彌生らしい表現が広がっていました。 普段何気なく目にしているものも、色や形、模様の組み合わせによって、まったく違う存在に見えてくる。そんな発見ができるのも、草間彌生の作品に触れる面白さなのかもしれません。 水玉というおなじみのモチーフを入り口に、日常の風景まで違って見えてくる。今回の展覧会を通して、草間彌生の表現の幅広さと、身近なものを新鮮に見せる力を改めて感じました。 草間彌生が追求してきた独自の表現は、これからも作品を通して、多くの人に受け継がれていくことでしょう。 When you think of Yayoi Kusama, you think of polka dots. That was the image I had when I started looking at "Kusama's Pop," but as I explored her work, I discovered that her unique expression extended beyond paintings to furniture, mobile phones, and even the very space itself. Even everyday objects can appear completely different depending on the combination of colors, shapes, and patterns. Perhaps this kind of discovery is part of the appeal of experiencing Yayoi Kusama's work. Yayoi Kusama's unique expression, which she has pursued, will continue to be seen by many people through her works. Why not take a peek into the vast world hidden beneath the familiar motif of polka dots? 展覧会情報クサマズ・ポップ会場：草間彌生美術館会期：2026年4月16日〜8月30日※本展は会期を終了しています。 Exhibition info: Kusama's Pop Venue: Yayoi Kusama Museum Dates: April 16, 2026 - August 30, 2026 *This exhibition has ended.   取材/PicoN!編集部 ダリシュ   ↓PicoN!アプリインストールはこちら